GT: Come pensate sia cambiato l’Oshare Kei nel corso degli anni? Siete conosciuti per questo stile; con il passare del tempo, è cambiato qualcosa?

È molto bello che l’Oshare Kei si sia arricchito e abbia incorporato tanti elementi diversi. Nel corso degli anni, le varie band hanno sviluppato stili differenti e apprezzo molto il fatto che ognuna abbia trovato una propria identità. È bello vedere come il genere continui a evolversi.

GT: Gli An Cafe sono spesso associati al concetto di “Nyappy” e alle emozioni di solitudine, insicurezza e desiderio di cambiare le proprie circostanze. Dopo più di 20 anni sulla scena, come vivete oggi il fatto di trasmettere gioia ed energia positiva esprimendo emozioni che nel frattempo sono cambiate?

Miku: In realtà, da parte mia non è cambiato molto. Sono una persona piuttosto oscura e riesco a comprendere le emozioni di chi non ha fiducia in se stesso. Quando scrivo i testi penso proprio a queste persone e vorrei riuscire a sostenerle. Questo è ciò che ho sempre pensato e non è cambiato.

GT: C’è differenza nella preparazione dei concerti in Europa rispetto a quelli in Giappone?

Non c’è una differenza particolare nella preparazione dei concerti. Quello che cambia è piuttosto lo stile di vita e il modo di fare le cose. La vita quotidiana in Europa è diversa da quella in Giappone e bisogna adattarsi a questo.

L’ultima volta che avete suonato in Francia è stata più di dodici anni fa. Vi aspettavate di ritrovare gli stessi fan dopo tutto questo tempo oppure pensavate che la vostra comunità fosse cambiata?

Il cambiamento principale riguarda le persone. Quando siamo venuti in Europa la prima volta, molti dei fan erano più giovani: avevano problemi legati alla scuola, all’università e alla vita da studenti. Oggi sono cresciuti e hanno problemi da adulti: il lavoro, il matrimonio, la vita quotidiana e altre esperienze. Le persone hanno attraversato esperienze diverse nel corso degli anni e questo naturalmente ha cambiato anche loro.

GT: Gli ultimi anni sono stati movimentati, ma hanno portato alla vostra riunificazione. Sentite che questo abbia reso il gruppo ancora più unito?

Yuuki: Prima della riunificazione, per un periodo, non ci incontravamo molto e non ci parlavamo molto. Da quando ci siamo riuniti, invece, abbiamo ricominciato a condividere tempo ed esperienze. È stato bello allora e lo è ancora oggi. Ci divertiamo a fare le cose insieme e vogliamo continuare a lavorare in questo modo, godendoci quello che facciamo.

Per noi è importante anche mantenere nel tempo il rapporto con i fan che ci hanno seguito per tanti anni. Non sappiamo esattamente cosa succederà in futuro, ma vorremmo continuare a coltivare questa relazione.

GT: Quindi, rispetto a voi come persone e come gruppo, sentite di avere una coesione maggiore rispetto a prima della riunificazione?

Kanon: Quando abbiamo avuto l’opportunità di riunirci, abbiamo sentito che era il momento giusto. Abbiamo ritrovato una sensazione di condivisione e, facendo nuovamente le cose insieme, ci siamo sentiti più uniti e anche più orgogliosi. È stato bello poter tornare a condividere queste esperienze. Oggi apprezziamo molto di più il tempo che trascorriamo insieme.

Dopo più di vent’anni, cosa vi motiva a continuare?

La motivazione è sempre il pubblico. Finché ci saranno persone che continueranno ad ascoltare la nostra musica e a venire ai concerti, avremo voglia di continuare. È questo che ci dà energia.

Il concetto di Nyappy è cambiato nel corso degli anni?

Miku: No, per niente. Non è cambiato. Il concetto di Nyappy per noi è rimasto lo stesso.

C’è una canzone degli An Cafe che oggi sentite o comprendete in maniera diversa rispetto a quando l’avete scritta?

Miku: Sì, può esserci qualcosa di diverso. Una canzone può essere la stessa, ma il modo in cui la si ascolta e il modo in cui la si percepisce possono cambiare con il tempo.

Kanon: Con il passare del tempo cambia il modo in cui ascolti una canzone. Anche se la musica è identica, le esperienze che vivi danno un significato diverso.

Miku: Sì, in particolare “Cherry Saku Yuki!!”. È una canzone che oggi sentiamo in modo diverso rispetto a quando l’abbiamo realizzata. Con il passare degli anni sono cambiate le nostre esperienze e il nostro modo di vedere le cose, quindi anche il significato che attribuiamo alla canzone si è modificato.

È una canzone che è stata pensata per i giovani, parla di andare avanti e di trovare il coraggio di affrontare ciò che viene. Oggi, dopo tutto quello che abbiamo vissuto, possiamo sentirla anche come un messaggio rivolto a noi stessi, oltre che ai fan.

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Il sito ufficiale degli An Cafe

Il nostro reportage della seconda giornata del B7klan J-Rock Fest

Il profilo instagram del cantante Miku

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La celebrazione dei 15 anni di carriera

Per festeggiare il grande traguardo dei 15 anni di attività, lo staff della cantante ha preparato molte attività per deliziare i suoi fan: merchandise esclusivo, un mostra itinerante, ecc.

Ovviamente la parte centrale di queste celebrazioni non può che essere gli eventi dal vivo: doppia data al Nippon Budokan (Tokyo), doppia data alla World Memorial Hall (Kobe) e doppia data alla Kuroko-kun Hall (Nagoya)… quella su cui vorrei concentrare la mia attenzione è la data finale del tour, il 20 maggio 2026, alla quale ho avuto il piacere di assistere.

L’atmosfera di festa che si crea in questo tipo di eventi è palpabile fin dal tragitto verso il luogo del concerto: nei mezzi pubblici sei costantemente circondato da gente stilosa e colorata (come ogni buon fan di LiSA), decorata con una quantità smisurata di gadget ufficiale della cantante.

Arrivati sul posto ad attenderci c’è lo stand del fan-club ufficiale, nel quale se sei iscritto non te ne vai mai a mani vuote, hai la possibilità di vincere premi interessanti (anche materiale autografato), ed ovviamente l’immancabile mega-stand del merchandise ufficiale. La fila in questo tipo di stand può essere interminabile ma, per quanto riguarda LiSA, è stato implementato un sistema con ingressi scaglionati che ha ottimizzato di molto i tempi di attesa.

Si entra!

Quando arriva il momento dell’apertura delle porte, il pubblico viene suddiviso in due ingressi: chi ha i posti “Arena” (quelli più vicini al palco) ha l’ingresso al piano inferiore mentre chi ha i posti del primo anello ha un ingresso laterale al piano superiore. Nella hall dell’arena, messi in bella mostra sono stati disposti possiamo trovare un’altra splendida tradizione dei concerti giapponesi: i flower stand.

I flower stand sono bellissime composizioni floreali che vengono inviate come augurio e festeggiamento… e a mandarle può essere chiunque: la casa discografica, una radio, un canale televisivo, un’associazione di fan sia giapponese che internazionale.

LiSA: il concerto a Nagoya

È arrivato il momento del concerto. I concerti di LiSA, specie quelli in Giappone ed in un’arena come in questo caso, sono degli eventi incredibili… esperienze in grado di cambiarti la vita. Dal punto di vista del vero e proprio show stiamo parlando di un organizzazione di altissimo livello: dalla gigantesca fragola con funzione di piattaforma mobile, un impianto d’illuminazione che è un continuo tripudio di colori e coreografie, svariati cambi d’abito per la cantante, ecc.

Passiamo all’atmosfera: essere circondati da più di dieci mila fan accaniti che partecipano ai controcanti, oppure agitano vorticosamente la loro pen-light a ritmo di musica è impagabile.

E poi c’è lei, LiSA.: lei è semplicemente un superstar. È una belva da palcoscenico, nata per fare questo mestiere. Quando è sul palco si galvanizza, è dotata di un’energia incontenibile ed è in grado di trascinare la folle con un semplice gesto della mano. Anche dal punto di vista puramente musicale è interessante notare che, nel realizzare le sue migliori hit dal vivo, tante piccole variazioni fatte in post-produzione vanno a sparire… il che rende il suono più puro e molto più piacevole da ascoltare.

Vorrei allegarvi delle foto realizzate personalmente durante l’evento, ma in Giappone è severamente vietato fare foto durante i concerti… quindi, il più che posso fare è mettervi le foto dei canali social ufficiali dell’artista e la scaletta completa dell’evento.

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Setlist

• 01 – best day, best way
• 02 – Merry Hurry Berry
• 03 – Rising Hope
• 04 – oath sign
• 05 – crossing field
• 06 – traumerei
• 07 – 紅蓮華 (Gurenge)
• 08 – ADAMAS
• 09 – 赤い罠 (who loves it?) (Akai Wana (who loves it?))
• 10 – HADASHi NO STEP
• 11 – BRiGHT FLiGHT
• 12 – Letters to ME
• 13 – Patch Walk
• 14 – OPENiNG -LACE UP-
• 15 – DECOTORA15
• 16 – rapid life シンドローム (Rapid Life Syndrome)
• 17 – QUEEN
• 18 – Shouted Serenade
• 19 – Catch the Moment
• 20 – 逆光オーケストラ (Gyakkou Orchestra)
• Encore：
• 21 – 小豆あらいい (Azuki Arai)
• 22 – YES
• 23 – NEW ME

Da segnalare quello che purtroppo, o per fortuna, è successo durante la canzone finale del concerto.

“NEW ME” è una canzone che inizia con un intro quasi completamente vocale della durata di più di un minuto e mezzo. Durante questa fase, per un problema tecnico, è saltato l’audio al microfono di LiSA… quindi tutta l’arena è piombata quasi nel silenzioso.

Ecco, è qui che da un inconveniente nasce un momento magico: nel giro di pochi secondi tutto il pubblico all’unisono, ha ripreso a cantare dal punto dove era saltato l’audio… dando il tempo allo staff di cambiare il microfono e riprendere il concerto nel migliore dei modi.

Autore: Paolo Passeri

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Biglietti per il concerto di LiSA all’Unipol Forum di Assago (MI)

Profilo Instagram dell’artista LiSA

Lisa in concerto a Milano

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GT: La prima cosa che colpisce degli Azavana è la vostra immagine. Nel Visual Kei spesso i membri di una band condividono un’immagine piuttosto uniforme, mentre nel vostro caso ognuno ha una propria identità distinta. Da dove nasce questa scelta? Ci sono particolari fonti di ispirazione per i vostri costumi e per l’immagine della band?

Ryohei: La prima idea generale la dà il cantante, quindi per prima cosa viene definito il tema del look e dell’immagine. Quando il tema è deciso, viene scelto il look che si vuole indossare, in relazione anche al tema della canzone.

Shiyu: La direzione visiva viene poi sviluppata insieme ai designer. Anche se esiste un concept comune, ogni membro ha una personalità diversa, quindi cerchiamo di rifletterla nei costumi, attraverso elementi come design, colori e texture.

A seconda dell’opera, può esserci una forte uniformità tra i costumi, per esempio attraverso gli stessi motivi, materiali o forme. In altri casi, come in questo, il tema è invece quello di mettere il più possibile in risalto la personalità di ciascun membro. Per questo i nostri costumi possono essere completamente diversi tra loro.

Questo festival rappresenta un evento molto particolare: uno dei primi grandi eventi europei dedicati al Visual Kei e vi trovate sullo stesso palco con artisti molto importanti e con band che hanno fatto la storia del genere. Che cosa provate a essere qui? E quali sono le vostre aspettative per questo concerto?

Ryohei: È una domanda per Ryo-san.

Ryo: È un’occasione molto importante e allo stesso tempo una grande motivazione. È la prima volta che ci troviamo in un evento di questo tipo e ci sono molti grandi senpai. Anche le dimensioni del palco sono molto più grandi rispetto a quelle a cui siamo abituati, quindi c’è un po’ di tensione. Siamo però molto felici di essere qui e non vediamo l’ora di esibirci.

Come è nato il progetto Azavana? Vi conoscevate già prima di formare la band? E come avete scelto il nome?

Ryohei: È un po’ complicato…

Shiyu: In realtà ci conoscevamo già. Ognuno aveva fatto musica separatamente e, essendo la scena musicale relativamente piccola, ci conoscevamo già tutti. È stato il cantante a riunire le persone.

All’inizio l’idea era semplicemente quella di suonare insieme e divertirsi. Non c’era necessariamente l’intenzione di creare subito una band con un progetto preciso. Poi, man mano che lavoravamo insieme, la cosa è cresciuta naturalmente e abbiamo deciso di trasformarla negli Azavana. Anche il nome è nato più o meno in quel periodo, in modo abbastanza spontaneo.

Il titolo DEL vostro primo album può essere tradotto come “In questa città dove ho fallito perché volevo continuare a vivere”. Il disco si apre con un brano strumentale senza titolo. Perché avete scelto proprio questo brano come apertura? E qual è il significato della struttura dell’album?

Ryo: Quello è il brano strumentale. Essendo l’opening dell’album, volevo dare al disco una struttura narrativa, quasi come se raccontasse una storia.

Ryohei: Nel brano gli strumenti entrano progressivamente: prima la batteria, poi il basso, quindi la chitarra principale, la seconda chitarra e infine la voce e i cori. È come se, uno dopo l’altro, i cinque membri si riunissero all’interno della canzone. L’idea era proprio quella di rappresentare i cinque membri che si incontrano e diventano un unico cuore, il cuore degli Azavana.

il fatto che il primo brano non abbia un titolo e che l’album termini con un battito cardiaco ha un significato particolare?

Ryo: Sì. L’idea è che il significato venga completato dalla persona che ascolta l’album. Dopo aver ascoltato tutto il disco, quando si torna all’inizio, quella prima traccia viene percepita diversamente perché l’ascoltatore porta con sé tutte le emozioni vissute durante l’ascolto.
In questo modo sembra quasi che non ci sia una vera fine, ma che tutto ricominci.

Quali sono gli artisti o le band che vi hanno maggiormente influenzato?

Shiyu: Luna Sea

Яyu: Die En Grey

Ryo: Vidoll e X Japan

S1TK: L’Arc-en-Ciel

Ryohei: X Japan

È la vostra prima volta in Europa e in Francia. Avete già avuto modo di visitare la città? Qual è stata la vostra prima impressione?

Ryu: Fa abbastanza caldo!

Ryohei: Ieri abbiamo camminato parecchio per la città. Gli edifici e i monumenti sono davvero bellissimi e ne siamo rimasti molto colpiti.

Shiyu: Anche se siamo venuti da un Paese molto lontano, siamo qui insieme a band con cui abbiamo una certa familiarità e a senpai con cui abbiamo già avuto modo di interagire. Per questo motivo, invece di sembrare semplicemente un viaggio all’estero, è stato un po’ come una gita scolastica molto speciale e molto divertente, fatta tutti insieme.

Se una persona non vi conoscesse ancora, quale sarebbe il modo migliore per farle scoprire gli Azavana e il vostro mondo musicale?

Ryohei: Il modo migliore è venire a vedere una nostra performance live. È sul palco dove noi mettiamo di più le nostre energie e dove si possono percepire meglio i nostri sentimenti. Noi possiamo soltanto dare tutto quello che abbiamo e cercare con tutte le nostre forze di far arrivare la nostra musica alle persone.

Vi siete formati alla fine del 2024, ma avete pubblicato già due album nel 2025 e un album nel 2026, siete impegnati continuamente tra tournée e attività di produzione. Riuscite mai a prendervi una pausa?

Ryohei: In realtà, non molto. Non abbiamo molti giorni di riposo.

Shiyu: Quando non abbiamo concerti, spesso lavoriamo alle registrazioni delle canzoni. Quindi anche quando non siamo sul palco abbiamo comunque qualcosa da fare. In Giappone è abbastanza normale per le band visual kei portare avanti durante tutto l’anno tournée e attività di produzione contemporaneamente. Per questo motivo conduciamo una vita piuttosto frenetica.

Come funziona il vostro processo di composizione? Come nascono le canzoni e da dove arriva l’ispirazione per i testi e in generale?

Ryo: È qualcosa che mi viene naturalmente.

Shiyu: Le canzoni principali nascono soprattutto dall’ispirazione di Ryo (ndr: il cantante). Quando arriva un’idea e comincia a prendere forma, poi gli altri membri contribuiscono a completare il lavoro. Per esempio, possiamo pensare che all’interno del CD serva un determinato tipo di canzone, in che ordine vadano messi i brani, oppure che durante i concerti ci sia bisogno di un certo tipo di brano. A quel punto possono arrivare canzoni portate da Ryo oppure dagli altri membri, e progressivamente il materiale si completa.

Quindi il processo non è rigidamente stabilito: le idee possono arrivare da persone diverse e il lavoro si sviluppa insieme.

Tra le vostre canzoni, quale rappresenta meglio gli Azavana?

Ryohei: È difficile…

Shiyu: forse Haiiro…?

(ndr: i membri discutono brevemente sul titolo)

Ryohei: Haiiro no Umi wo Oyogu Hotaru.

Яyu: Sì, Haiiro no Umi wo Oyogu Hotaru. È il primo singolo degli Azavana.

Il Visual Kei ha una lunga tradizione. Sentite la responsabilità di raccogliere questa eredità oppure lo vedete più come una sfida e volete creare qualcosa di diverso dagli altri gruppi?

Ryohei: Ultimamente sto pensando soprattutto di cercare di non fare quello che fanno abitualmente gli altri gruppi. E vogliamo farlo come Azavana.
Voglio che gli Azavana siano semplicemente… gli Azavana.

Che cosa vi aspettate da questo concerto? Per esempio, sperate di conquistare nuovi fan o di far conoscere la band a persone che non vi hanno mai ascoltato?

Ryohei: Prima di tutto voglio vedere con i miei occhi quanto la musica degli Azavana riuscirà ad arrivare al pubblico di Parigi. Sono curioso di vedere come verrà accolta la nostra musica dalle persone qui.

Per concludere, avete un messaggio per il pubblico francese ed europeo?

Ryohei: È la prima volta che veniamo in Francia, quindi voglio dare tutto me stesso e trasmettere tutto quello che abbiamo. Sono molto emozionato e non vedo l’ora.

S1TK: Siamo qui soltanto da due giorni, ma mi sono già innamorato della Francia. Quindi vorrei sicuramente tornare in Francia ma magari in un periodo più fresco. Fa davvero molto caldo!

Ryo: È la nostra prima volta in Francia. Vorrei presentarvi la nostra musica e il nostro visual rock. Spero che possiate comprendere il nostro stile musicale e la nostra mentalità.

Яyu: Prima di tutto, a tutti i fan francesi e i fan europei grazie per averci aspettato. E grazie anche a tutti i fan degli altri Paesi.
Per tutte le persone che ancora non ci conoscono, spero che vi piaccia la nostra musica e che possiate continuare ad interessarvi a noi.

Shiyu: È la nostra prima volta in Europa e in Francia e poter salire sul palco di un’arena così grande insieme a tanti senpai e tanti gruppi che sono molto più famosi di noi, è per noi un grandissimo onore.

Ma non lasciatevi ingannare dal fatto che siamo una band esordiente: come Azavana facciamo dei live molto più potenti e pieni di energia di quanto possiate immaginare. Quando arriverà il momento della nostra esibizione vi divertirete: potreste rimanere così sorpresi da cadere all’indietro! Aspettate il nostro concerto.

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Profilo Instagram degli Azavana

Il resoconto della seconda giornata del B7klan J-Rock Fest

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Noi, che dobbiamo rincorrere le conferenze stampa, abbiamo giusto il tempo di mangiare qualcosa ai truck organizzati all’esterno e di goderci un fuori programma. Yuuki, il tastierista degli An Cafe, decide di improvvisare un DJ set con le canzoni della band rubando la consolle a Miura Ayme, musicista e attore giapponese che per la due giorni francese si sta prestando ad intrattenere il pubblico con dei DJ set all’esterno a tema visual kei. Un drappello di fan si scatena sotto il sole cocente nelle coreografie abbinate ai brani più famosi degli An Cafe ed è il preludio alla gioia che di lì a poco la band giapponese porterà sul palco dell’Arena Grand Paris.

Alle 16.00 aprono le danze gli Imperial Age, band di origine russa ma operativa in Inghilterra, che ha tra le sue fila l’unica donna della manifestazione: Jane Odintsova. Tra bandiere e look a metà tra il mondo egizio e quello medievale, la band regala mezzora di rock metal sinfonico, con un impatto scenografico quasi cinematografico. Uniscono la carica travolgente del metal a linee melodiche orchestrali molto orecchiabili: energia e melodia allo stesso tempo.

AN CAFe

Ovviamente però l’attesa è tutta per gli An Cafe che seppure a ranghi ridotti causa l’assenza del chitarrista Takuya arrivano accolti a gran voce da tutta l’arena.

I quattro che si sono riuniti da pochi anni dopo un periodo di break, portano tanto entusiasmo e gioia sul palco. Il pubblico canta tutto, si lancia nelle coreografie accennate da Miku e Yuuki. Miku si è anche preparato un lungo discorso in francese e a turno ogni membro della band prova qualche breve frase in francese, con il pubblico che gradisce davvero molto.

I principali rappresentanti dell’Oshare Kei, quello stile colorato e gioioso nato intorno ad Harajuku, sono in realtà vestiti molto più sobri di una volta, privilegiando il nero. L’unica eccezione è come sempre Yuuki, con la sua tuta super colorata, un po’ come aveva abituato i fan negli anni, che balla e suona saltando e agitando le braccia, tanto da domandarsi come faccia a mantenere il tempo.

Dire che palco, platea e spalti sono pervasi dal divertimento è davvero riduttivo, ma non per niente sono la band che ha coniato il termine Nyappy e su “Cherry Saku Yuuki!! (Re:Bloom)” l’energia è davvero incontenibile. Per l’entusiasmo travolgente che hanno saputo trasmettere, il pubblico avrebbe voluto uno show ben più lungo, ma sicuramente non poteva esserci band migliore per aprire le danze e mandare subito su di giri l’arena.

AZAVANA

Con il pubblico ancora molto carico, l’uscita sul palco dei membri degli Azavana per sistemarsi gli strumenti è accolta dagli applausi. La band è quella di più recente formazione e quindi la meno conosciuta dal pubblico, che infatti è molto incuriosita dal gruppo, uscito dalle ceneri degli Ashmaze ed impreziosito dalla presenza di Ryo, ex frontman dei Virge. Finiti i preparativi, i quattro musicisti escono e poco dopo rientrano sulle note dalla loro canzone strumentale [ ]: fanno il loro ingresso uno ad uno sul palco, fino ad attendere il cantante.

È qui che si manifesta quella che potremmo definire la magia del palco: per chi qualche ora prima aveva partecipato alla conferenza stampa, la trasformazione che il vocalist Ryo mostra in scena è quasi sconvolgente. Scende giù dal palco come stesse facendo un solo gradino invece di un salto di oltre un metro di dislivello, sale sulle transenne e canta abbracciato dalle prime file. Il trasporto con cui il cantante vive i brani è palpabile da tutti, soprattutto quando si batte più e più volte il petto con il microfono, proprio a simulare quel battito del cuore che è sia sottofondo nel primo brano, sia il titolo dell’ultima canzone in scaletta: “Shinon”.

Photo by David Poulain, Jee Chung, Laura Gilli e Manon Violence

Una performance emotiva, ma anche pregevole tecnicamente quella del quintetto: il basso di Яyu non è mai banale, S1TK ha scelte musicali ben precise, Ryohei e Shiyu fanno scorrere veloci le dita sulle chitarre con grande sicurezza. Il gruppo propone un rock moderno dalle influenze alternative, capace di passare da atmosfere intime a improvvise esplosioni di energia, come in “Haiirono umi wo oyogu hotaru”, senza perdere di intensità e qualità.

La timbrica di Ryo richiama la tradizione del Visual Kei più classico: melodica, fortemente espressiva e impreziosita da un vibrato pronunciato che ne amplifica l’intensità emotiva. Il contrasto con i riff moderni e le ritmiche serrate della band è sorprendente, ma proprio questo equilibrio tra due anime così diverse diventa uno dei tratti distintivi del gruppo. Gli Azavana mantengono le promesse fatte in conferenza stampa, mettono tutti se stessi sul palco e lasciano il segno: il pubblico risponde alla grande e anche tra gli addetti ai lavori si rafforza la convinzione di avere di fronte una band di cui si sentirà parlare sempre di più.

JILUKA

E dopo le emozioni è l’ora del caos. Scendono in pista i Jiluka, la band più rumorosa e forse anche più glamour della due giorni. Abiti lunghi di pelle nera, intarsi e tagli, trucco nero pesante, guanti neri e chitarre in tono: un universo dark fantasy che ben si abbina alla loro musica metalcore, o meglio ancora electro gothic metal (EGM).

L’appeal di Sena, il chitarrista dai capelli rosa ed i tratti femminili, è innegabile, come è innegabile però la sua tecnica cristallina che si apprezza nei vari assoli che regala con la sua chitarra nera dai led rosa; quando rappa poi lancia il microfono senza farsi troppi problemi: magnetico. Ricko ha una voce modulabile che regola come vuole, è scatenato e non si risparmia nemmeno per un secondo, ma anche tra un growl e l’altro ha sempre il sorriso stampato sul volto.

Zyean alla batteria non perde un colpo e qualche volta si alza in piedi ad incitare i fan. Boogie, con il suo basso nero realizzato dall’italiana Overload Guitars, sembra uno stregone fantasy, un cavaliere oscuro, con quei suoi lunghi capelli corvini ed il collo dipinto di nero, ma basta che accenni un sorriso perché quell’immagine minacciosa svanisca.

A sinistra i bassi di Boogie – A destra le chitarre di Sena

Il ritmo è serrato, i brani sono potenti e rapidi: aprono con Kult ed in sequenza sciorinano VenΦm, BLVCK e S4vage. Non c’è davvero spazio per riprendere fiato, i Jiluka spremono tutte le loro energie per regalare una prestazione memorabile ai fan dimostrando perché sono una delle band visual kei e metalcore più in ascesa anche a livello internazionale.

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Sena e Boogie dei Jiluka con Mana dei Moi dix Mois, nel backstage dei B7klan J-Rock Fest a Parigi

D’Espairsray

È l’ora dei pezzi da novanta e vista l’attesa di ben 15 anni il tripudio che si scatena all’entrata in scena dei D’ESPAIRSRAY è del tutto comprensibile. La band, con un look nettamente più sobrio rispetto ai tempi che furono, apre con la potenza di “Garnet” ed i decibel del pubblico si alzano: comincia il viaggio nel tempo e torniamo nei primi anni 2000.

Hizumi sembra essersi finalmente ripreso da quei suoi gravi problemi alla voce che lo avevano tenuto lontano dalle scene così a lungo e non si risparmia, il suo carisma è rimasto intatto.

Il loro è un rock classico, con alcune incursioni nell’hard rock e nel metal. I fan che li hanno conosciuti da adolescenti sono al settimo cielo, cantano a squarciagola. Anche chi non ha vissuto gli anni d’oro della band apprezza questo rock più alla portata di tutti con brani come “Forbidden”, mentre con “Born” e il nuovo singolo “Rapture” il pubblico continua a lasciarsi trascinare.

Il dietro le quinte dei D’ESPAIRSRAY al B7klan J-Rock Fest a Parigi (dal profilo ufficiale instagram della band)

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“Love is Dead” la canta anche chi non conosce minimamente il brano, tanto è alto l’appeal della band e della loro musica.

Se poi la band, prima di chiudere con l’energica Mirror, annuncia il ritorno in Europa nel 2027, cosa si può volere di più?

MOI DIX MOIS

Un quarto d’ora di pausa e finalmente sul palco salgono quelli che si possono definire i veri headliner dell’intero festival: tocca infatti ai Moi dix Mois.

Pubblico in delirio per la band di Mana, che con la sua chitarra dalla croce blu accende letteralmente l’entusiasmo incontenibile della folla. Sale sul palco per ultimo il cantante Seth, capelli cotonati viola, bustino in pelle nero, calze a rete: lui e Mana sono l’emblema vivente del visual kei delle origini. La lunga scaletta si apre con “Dialogue Symphonie” e vede Angelica e la famosissima Solitude all’inizio dello show. Seth più volte si ferma a parlare al pubblico, anche se sempre in giapponese, e arriva il momento di “monophobia”. Sulla tanto attesa “La dix croix”, uno degli inni dei Moi dix Mois, il pubblico agita i propri scettri luminosi con il simbolo della band.

Dopo “Ange – D side holy wings” la band esce tra i saluti, ma torna poco dopo con l’encore di due pezzi: “forbidden” e “Je l’aime”. Seth canta con una lanterna in mano.

Mana ringrazia il pubblico con teatrali inchini ed esce, ma poco dopo i membri rientrano per il secondo encore dedicato esclusivamente alla canzone “Pagent”.

La storia del visual kei

La loro estetica è unica, o meglio, è l’originale dato che Mana è uno dei fondatori dello stile gothic lolita, ma anche la musica lo è: i brani uniscono orchestrazioni sinfoniche, richiami alla musica sacra, hard rock e metal, creando un linguaggio immediatamente riconoscibile. Un genere per alcuni versi più difficile da capire e apprezzare, ma sono sicuramente dei maestri nella composizione e nell’amalgamare strutture così diverse.

L’esperienza degli anni si vede, così come si vede l’importanza del senso estetico, della costruzione dell’immagine: niente è lasciato al caso, non le scenografie, né le movenze. I Moi dix Mois sono padroni della teatralità e del palco, dimostrando ancora una volta perché sono considerati tra i principali protagonisti del visual kei. Quando al termine del secondo encore se ne vanno, la sensazione è di avere assistito ad una sorta di rito religioso, con fan piangenti che considerano la band una sorta di divinità.

A riportare tutti alla normalità ci pensa il chitarrista Ryusuke che saluta e fa foto con il pubblico accompagnato dal suo peluche di Ratatouille.

si chiude il sipario

Termina così la seconda giornata del B7klan J-Rock Fest e come spesso accade in eventi di questo calibro convivono tante emozioni: la soddisfazione per aver partecipato ad un evento senza precedenti, la gioia di aver visto dal vivo i propri artisti preferiti, la sorpresa per averne scoperti di nuovi, ma al contempo quell’amarezza tipica di chi sta già soffrendo perché è finita e quella speranza di poter rivedere presto i propri beniamini.

Il B7Klan J-Rock Fest ha mantenuto le promesse, offrendo due giornate di musica che hanno pienamente soddisfatto le aspettative del pubblico: le band che si sono esibite sono state eccezionali per nome e storia, ma anche per la qualità tecnica delle loro performance. Hanno dato tutte il massimo per rendere felici i propri fan e lasciare una buona impressione in chi non li conosceva.

Ed infatti tutti, fan e addetti ai lavori, lasciano l’Arena Grand Paris con la stessa speranza: che questo non sia stato un episodio isolato, ma l’inizio di una nuova tradizione per il visual kei in Europa.

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Le nostre impressioni sul Festival

Il reportage della prima giornata del festival

Sito ufficiale degli An cafe

Profilo instagram ufficiale degli Azavana

Profilo instagram ufficiale dei Jiluka

Pagina instagram ufficiale dei D’Espairsray

Profilo instagram ufficiale dei Moi dix Mois

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Due aziende con una grande storia, a volte con un passato anche burrascoso che è interessante indagare.

Nintendo e sony, la storia

La Nintendo (任天堂) fu fondata nel 1889 ed è nata come azienda produttrice di carte da gioco. Solamente negli anni ’70 ha cominciato a volgere lo sguardo verso il mondo dei videogiochi, entrando nelle case della gente nel 1977, anno in cui lanciò con successo la propria linea di console domestiche, la Color TV Game. La Sony (ソニー) invece fu fondata nel 1946, ma è solo nel 1993 che entra nel mondo dei videogiochi.

La principale differenza tra le due aziende risiede nel fatto che la Nintendo si occupa esclusivamente di videogiochi, mentre la Sony è presente in moltissimi settori tecnologici, producendo computer, CD, DVD ecc. Ma come si sono distinte queste due aziende nel mondo videoludico? Come sono riuscite a diventare quello che sono oggi? Bisogna partire dalla crisi dei videogiochi del 1983. In quegli anni il mercato era saturo di videogiochi e console di scarsa qualità, il quale ha portato ad un rapido crollo dei prezzi, con la conseguenza che molte aziende furono portate addirittura alla bancarotta. Questo fenomeno interessò principalmente il nord America.

Grazie all’introduzione nel mercato di un prodotto Nintendo, il settore ricevette la spinta necessaria per continuare a prosperare. Si tratta del NES (Nintendo Entertainment System), in Giappone anche conosciuto come FamiCom. Console casalinga che al momento del debutto possedeva solo tre titoli: Donkey Kong, Donkey Kong Jr., e Popeye. Ma fu con due giochi in particolare che riscosse una vastissima popolarità: stiamo parlando di Super Mario Bros. e The Legend of Zelda. Da questo momento il dominio del mercato delle console si spostò dagli Stati Uniti al Giappone, e la Nintendo diventerà la principale produttrice di console e videogiochi al mondo per un buon periodo.

Il dominio incontrastato di Nintendo dura fino al 1994, anno in cui la Sony crea la sua prima console, la PlayStation. Da questo momento in poi comincerà la battaglia per la supremazia.

Dalla collaborazione tra Nintendo e Sony al fallimento del progetto

Inizialmente Nintendo e Sony non erano aziende rivali, anzi, collaborarono insieme per alcuni progetti. Innanzitutto lo SNES (Super Nintendo Entertainment System), versione migliorata della console precedente: messo in commercio nel 1990, si trattò della prima collaborazione tra le due grandi aziende. La Nintendo si occupò della realizzazione dello SNES in generale, mentre la Sony fornì i componenti audio per lo stesso. Questa prima collaborazione pose le basi per la successiva grande collaborazione: la Nintendo PlayStation. Si sarebbe trattato di una console di gioco con CD-ROM integrato compatibile con lo SNES: sarebbe stato sviluppato per poter giocare sia con cartucce SNES che con CD-ROM. Doveva venire distribuito come periferica per lo SNES e vennero prodotti alcuni prototipi, un numero di questi anche presentati a delle fiere.

Tuttavia, nel 1993 la Nintendo decise di rescindere il contratto con Sony e annunciò che il lettore CD-ROM dello SNES sarebbe stato distribuito da Philips. In questo modo la Nintendo PlayStation divenne una console fantasma che non vide mai la luce. Una cosa interessante riguardo a questo progetto è che in realtà non è completamente vero che non vide mai la luce: è vero che non venne mai commercializzato, però esistono ancora i prototipi che vennero presentati alle fiere e alcuni di questi sono ancora in giro! Pensate che nel 2015 un ragazzo americano ne trovò una nella sua soffitta: era stata acquistata dal padre nel 2009 ad un’asta per un valore di soli 75 dollari, ma il padre non ne sapeva nulla della rarità del prodotto, per cui decise di conservarla a casa, e lì venne dimenticata per alcuni anni. Alla fine, una volta ritrovata e capitone il valore, è stato deciso di metterla all’asta e questa volta è stata venduta al prezzo di 300.000 dollari!

Ma tornando a noi, perché la Nintendo rescisse il contratto con la Sony? In realtà ancora non si sa di per certo, però la teoria più plausibile è che Nintendo non accettasse che la Sony avrebbe monopolizzato tutti i profitti derivanti dai CD-ROM, ma appunto, questa è solo una teoria. Dopo questo fatto la Sony decise di accantonare lo sviluppo di console da gioco finché Kutaragi Ken (responsabile delle trattative con Nintendo) ebbe talmente insistito che l’allora presidente della Sony diede il via libera per la progettazione della prima console.

Nel 1993 venne fondata una sussidiaria di Sony, la Sony Computer Entertainment (ora nota come Sony Interactive Entertainment), col compito di progettare e distribuire le console di Sony. Si impegnò a fondo per migliorare il prototipo che era stato progettato per la Nintendo, finché nel 1994 non venne creata la prima console: la PlayStation 1, questa volta a marchio Sony, la PlayStation che tutti conosciamo. Ed è proprio da questa data che finì la supremazia della Nintendo e cominciò un periodo di rivalità tra le due aziende.

La sfida per il predominio

Nintendo e Sony dagli anni ’90 si sono aggiudicate il titolo di padrone indiscusse del mondo del gaming, e hanno continuato negli anni a sfidarsi nella progettazione di console sempre più moderne e innovative. La Nintendo aveva già portato le sue innovazioni prima dell’arrivo di Sony con il NES e lo SNES, console all’avanguardia per l’epoca, con migliori capacità di risoluzione dei suoni e delle immagini, e in generale un migliore gameplay. Queste console hanno dato vita ai titoli più conosciuti della storia dei videogiochi come Super Mario e The Legend of Zelda, ma anche moltissimi altri.

È con l’arrivo di Sony con la sua PlayStation nel 1994 che la Nintendo comincia a vacillare: l’innovazione più grande che è riuscita ad apportare è il fatto che il supporto non è più a cartucce ma a CD-ROM, ed è anche riuscita ad implementare il 3D. La PlayStation riuscì addirittura a sopportare i colpi ricevuti dalla Nintendo 64 uscita nel 1996, grazie al fatto che, sebbene fosse entrata in commercio due anni più tardi, ancora non aveva implementato i CD-ROM (le cartucce avevano ormai cominciato a diventare obsolete). Ciononostante, anche la Nintendo 64 ebbe un discreto successo, riuscendo anche lei ad implementare il 3d e supportare la modalità multiplayer (fino a 4).

Successivamente la PlayStation 2, uscita nel 1999, riuscì a battere ogni record, diventando la console più venduta della storia: oltre a svariate migliorie, permetteva una compatibilità anche con i CD-ROM per la PS1 e implementava l’utilizzo anche di DVD.

Il GameCube di Nintendo uscito due anni dopo si trovò in netta difficoltà, non riuscendo a portare significative innovazioni rispetto al rivale PS2. Nel 2006 uscirono contemporaneamente la PlayStation 3 e la Wii. Sebbene la PS3 potesse contare sul supporto bluray e sulla connettività online, insieme anche ad una risoluzione in Full HD, comunque non riuscì a battere le innovazioni della Wii: grazie al suo speciale telecomando e al sensore abbinato, per la prima volta si poteva interagire coi videogiochi attraverso i movimenti delle braccia e del corpo. Successivamente la rivalità fu tra la Wii U (2012) e la PlayStation 4 (2013). A differenza di ciò che successe la volta prima, questa volta la supremazia fu della PS4: in realtà entrambe le console apportarono significative migliorie, ma la PlayStation 4 fu favorita grazie alla maggiore potenzialità di interazione sociale. La Nintendo Switch (2017) fu poi un grandissimo successo, potendo contare sul fatto di essere una console ibrida e di possedere moltissimi titoli: finora resta la console Nintendo fissa più venduta in assoluto. Infine, la PlayStation 5 (2020) può contare su un processore davvero molto potente, riuscendo a riprodurre video fino a 8K.

Le diverse filosofie aziendali

Nintendo e Sony sono certamente due colossi del gaming, eppure adottano filosofie aziendali estremamente diverse. Si può iniziare parlando dei prezzi. Per quanto riguarda la Sony, essa vende i propri hardware (le console) a prezzi molto più alti rispetto alla controparte Nintendo, per poi scontarli clamorosamente dopo alcuni anni. E lo stesso discorso vale il software (i videogiochi). Nintendo invece ha la particolarità di vendere sia i propri hardware che i propri software sempre allo stesso prezzo, anche dopo molti anni. In questo modo la Sony si può dire che vende grandi quantità con bassi margini di profitto, mentre la Nintendo dà priorità ai profitti su ogni singola unità e in questo modo evita di causare una perdita economica ai primi acquirenti.

Una differenza sostanziale tra le due aziende risiede nella progettazione dell’hardware. La Sony punta tutto sull’avanguardia: utilizza appunto l’ultima tecnologia del momento per ottenere massime prestazioni grafiche, grazie a potenti CPU e GPU, anche se questo comporta costi di produzione elevati. Nintendo invece opta per lo sviluppo di tecnologie obsolete: anziché competere con tecnologie d’avanguardia preferisce riutilizzare e combinare tecnologie già esistenti in una maniera diversa, in questo modo anche risparmiando sui costi di produzione.

Anche nella progettazione del software troviamo una differenza sostanziale. La Sony punta tutto sulle capacità tecniche: utilizzando hardware all’avanguardia e molto potenti, opta per videogiochi che possano sfruttare tutte le capacità della console; si tratta quindi di videogiochi molto pesanti. La Nintendo invece non fa affidamento sulla grafica, ma piuttosto reputa molto più importante il divertimento.

Un’altra differenza non da poco risiede nel fatto che Nintendo con la progettazione di un nuovo hardware procede con la creazione anche di nuovi software praticamente subito, mentre Sony preferisce aspettare che l’hardware diventi più utilizzato prima di creare nuovi software.

Perché le due aziende hanno due approcci così diversi?

Nintendo utilizza questo approccio per il fatto che è un’azienda specializzata solo nel gaming, quindi è costretta a ricavare il massimo del profitto ad ogni singolo hardware e software per prepararsi ad un eventuale periodo di declino. Invece Sony può permettersi di rischiare poiché essendo un’azienda che lavora in molti altri campi ha la possibilità di raccogliere i fondi dagli altri settori e continuare nel campo videoludico anche se le cose vanno male. Infine, possiamo dire che Sony è un passo avanti sull’hardware avendo molti fondi da dedicargli, mentre Nintendo lo è sul software, potendo contare su titoli famosissimi che da soli portano avanti il business videoludico, come Super Mario e The Legend of Zelda.

Conclusioni

Abbiamo visto come Nintendo e Sony puntano su due aspetti diversi: Nintendo sul software e Sony sull’hardware. Per poter però rimanere ancora sul mercato entrambe dovranno fare sforzi, che al tempo stesso beneficeranno l’industria videoludica. Innanzitutto la loro rivalità porterà ad un’innovazione continua: se vuoi rimanere nel mercato devi portare qualcosa di nuovo. Al tempo stesso ci potrà essere una diversificazione dell’offerta che permette agli utenti di decidere da che parte stare: meglio migliori prestazioni o migliore esperienza utente? Infine amplierà i servizi: ogni azienda per aggiudicarsi sempre più fette di mercato cercherà di offrire servizi aggiuntivi, abbonamenti e contenuti esclusivi, aumentando la fiducia del consumatore. Quindi riassumendo, la loro rivalità ha stimolato e continuerà a stimolare l’innovazione e la diversificazione del settore dei videogiochi, portando a un’offerta più ricca e variegata per i consumatori e contribuendo alla crescita complessiva dell’industria.

Fonti

BugSplat: “What was the Great Video Game Crash of 1983?”, di Joey P.

Into Japan Waraku, “スーファミ、セガサターン、プレステ。ゲーム業界を発展させた任天堂vsソニー、セガの戦い” di Hirota T.

Huffington Post: “幻の任天堂製 Playstation プレイ動画が公開される”

Gigazine: “任天堂とソニーの幻のゲーム機「Nintendo PlayStation」がオークションでついに落札”

PC Outlet: “Every PlayStation Console: Complete Evolution from 1994 to 2024” di Patel K.

The Gamer: “Every Nintendo Console Ranked By Innovation” di Yurevitch T.

Hatena Blog: “【任天堂VSソニー】超人気ハード同士の真逆の戦略”,

Cultura Giapponese: “Breve storia del videogioco giapponese”

L'articolo Nintendo e Sony – da partner a rivali proviene da K-ble Jungle.

La vostra prima esibizione in Francia risale a circa 20 anni fa. Com’è stato tornare oggi e ritrovare un nuovo interesse per il Visual Kei?

Miya: Quando siamo venuti in Francia per la prima volta c’era un vero boom del visual kei e della musica giapponese. È stato sorprendente vedere così tanto entusiasmo.

Successivamente quell’interesse è diminuito, ma oggi abbiamo la sensazione che stia nascendo una nuova ondata. Siamo molto felici di essere riusciti a continuare la nostra attività abbastanza a lungo da poter vivere anche questo secondo momento di popolarità.

Nel nuovo singolo Never EVERGREEN ogni membro ha composto un proprio PEZZO. Cosa avete scoperto gli uni degli altri grazie a questa esperienza?

Miya: Di solito decidiamo prima un tema comune e tutte le canzoni vengono sviluppate seguendo quella direzione. Questa volta, invece, abbiamo lasciato completa libertà a ciascun membro. Ognuno ha scritto quello che desiderava senza dover seguire un concept prestabilito.

È stato molto interessante vedere quanto siano diverse le sensibilità di ciascuno e come ognuno esprima la propria personalità attraverso la musica. Anche per noi è stata una piccola scoperta.

Tutti voi portate avanti anche attività soliste o altri progetti. In che modo queste esperienze influenzano il lavoro nei MUCC?

Miya: Quando lavori all’interno dei MUCC devi confrontarti continuamente con gli altri membri: bisogna discutere le idee, trovare un punto d’incontro e adattarsi alle esigenze degli altri. Nei progetti personali, invece, puoi decidere autonomamente e seguire la tua visione.

Proprio per questo, lavorare anche al di fuori dei MUCC è molto stimolante: ti permette di sperimentare, di affrontare le cose in modo diverso e di scoprire nuove possibilità. Quello che impari in questi progetti può poi tornare naturalmente nel lavoro con la band.

Nel corso della carriera avete cambiato spesso sia immagine sia stile musicale. continuerete a evolvervi oppure sentite di aver trovato una vostra identità definitiva?

Tatsurō: Ogni volta che cambia ciò che vogliamo esprimere cambia automaticamente anche il modo in cui lo raccontiamo. Per questo motivo nel corso degli anni sono cambiati il nostro aspetto, la musica e l’intero universo visivo della band.

Se in futuro avremo ancora qualcosa di nuovo da raccontare, continueremo naturalmente a cambiare. Dipenderà semplicemente da quello che vorremo esprimere in quel momento.

I MUCC si avvicinano ai 30 anni di attività. Avete già pensato a qualche progetto speciale per celebrare questo anniversario?

Miya: In realtà no. Più che pensare a un progetto speciale, la cosa che mi colpisce è essere arrivato fin qui. Continuare a fare qualcosa per così tanto tempo è qualcosa di raro, quasi un piccolo miracolo.

Spero semplicemente di poter continuare ancora a lungo, senza trasformare la carriera in una pressione o in qualcosa di troppo pesante. Vorrei che rimanesse qualcosa di naturale e divertente, come lo è stato finora.

Dopo tanti anni siete tornati in Europa partecipando anche a festival internazionali. Se poteste collaborare con artisti stranieri, con chi vi piacerebbe condividere il palco?

Miya : System Of A Down !
Tatsuro : The Horrors (una band inglese)
Yukke : Story of the Year, è una band americana con cui abbiamo avuto modo di fare una tour

Miya: Non abbiamo un nome unico preciso. Quello che ci rende felici è soprattutto avere occasioni come questa, in cui musicisti provenienti da Paesi diversi possono incontrarsi. Ci sono gruppi più giovani, altri con più esperienza, ma ognuno porta qualcosa ed è sempre una scoperta interessante. Speriamo che in futuro ci siano sempre più festival internazionali di questo tipo perché rappresentano un’ottima occasione di scambio.

Alcune vostre canzoni vengono suonate da oltre 20 anni. Il loro significato cambia con il passare del tempo?

Tatsurō: Dipende dalla canzone. Per i brani scritti dagli altri membri il significato rimane sostanzialmente lo stesso. Per quelli che ho scritto io, invece, il rapporto cambia inevitabilmente.

Quando li ho composti provavo determinate emozioni; oggi, dopo tutte le esperienze vissute, li interpreto in maniera diversa.
Le canzoni restano uguali, ma cambia la persona che le canta.

Avete suonato recentemente anche in Germania. Avete percepito differenze tra il pubblico dei vari Paesi europei? Questo influenza il vostro modo di esibirvi?

Miya: Ogni pubblico ha una propria atmosfera e reagisce in modo diverso. Noi però non cambiamo il nostro modo di fare musica a seconda del Paese in cui ci troviamo. Piuttosto, durante il concerto percepiamo l’energia della sala e ci lasciamo trasportare da quella. È questo che rende ogni live diverso dagli altri.

Siamo più che altro sorpresi e felici che magari i vecchi fan siano lì ad aspettarci, con la solita energia.

Avete un elefantino rosso come mascotte. Da dove nasce questa idea? Perché avete scelto proprio un elefantino rosso?

Miya: in realtà è una cosa nata quasi per caso. Nel 2023 ero andato in questa catena di ristoranti che c’è da più di vent’anni e si chiama DOM DOM HAMBURGER. Fanno degli ottimi hamburger che io adoro e avevo fatto un post sul fatto che ci ero andato e secondo me sono i più buoni del Giappone.

La catena ha come mascotte un elefante con il cappellino rosso e da lì è nata questa collaborazione, con la creazione della nostra versione rossa dell’elefantino Domuzō-kun.

Nel vostro album 1997 emerge un forte messaggio di libertà e trasgressione. Oggi è ancora possibile trasmettere quello stesso spirito senza risultare nostalgici?

Tatsurō: I sentimenti non cambiano. Quello che cambia è il modo in cui vengono espressi. Anche oggi vogliamo comunicare idee come libertà, inquietudine o ribellione, ma ogni epoca possiede un linguaggio diverso.
Le emozioni rimangono le stesse; evolve soltanto il modo in cui vengono raccontate, magari sono solo leggermente più sfumate.

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L'articolo Conferenza stampa dei MUCC proviene da K-ble Jungle.

Quest’anno gli LM.C festeggiano 20 anni di attività. Guardandovi indietro, quale pensate sia stata l’evoluzione più importante della band? cosa sentite di aver imparato in questi anni?

Maya: Quando abbiamo iniziato eravamo molto giovani e naturalmente il nostro modo di vedere la musica era diverso. In questi vent’anni siamo cresciuti non solo come musicisti, ma anche come persone. Le esperienze vissute, gli incontri, i concerti e tutto quello che abbiamo condiviso con il pubblico hanno cambiato il nostro modo di pensare. Credo che oggi siamo più consapevoli di quello che vogliamo trasmettere con la nostra musica. Naturalmente continuiamo a divertirci, ma oggi diamo un valore ancora maggiore al rapporto con chi ci segue.

Per l’Anniversary Box avete scelto personalmente 10 canzoni a testa. Se si mettono le vostre due selezioni una accanto all’altra, raccontano la stessa storia? Ci sono elementi che accomunano le vostre scelte?

Maya: Sì, in un certo senso raccontano la stessa storia. Anche se le canzoni scelte sono diverse, ciò che le accomuna è il messaggio che vogliono trasmettere. Sono tutti brani che, in modi differenti, cercano di sostenere e incoraggiare chi li ascolta. Questo è il filo conduttore che unisce entrambe le selezioni.

Oltre ai CD, il cofanetto contiene anche un grande inserto speciale. Come vi è venuta l’idea di includerlo?

Maya: L’idea non è nata direttamente da noi, ma da una proposta del nostro staff. Era un progetto di cui si parlava già da parecchi anni e che finalmente siamo riusciti a realizzare in occasione del ventesimo anniversario.

Molti fan vi seguono fin dagli inizi, altri vi hanno scoperto più recentemente. Come avete visto cambiare il vostro pubblico nel corso degli anni?

Maya: In realtà non credo che sia cambiato così tanto. Più che altro, siamo cresciuti tutti insieme. I fan sono semplicemente diventati adulti insieme a noi.

Se doveste scegliere un solo brano capace di rappresentare questi vent’anni di carriera, quale sarebbe?

Maya: Direi Boys & Girls. È la canzone che ci ha fatto conoscere a un pubblico molto più ampio grazie alla collaborazione con un anime molto famoso. Ancora oggi, ovunque andiamo a suonare, anche all’estero, è uno dei brani che il pubblico aspetta con più entusiasmo. Quando parte quella canzone, l’atmosfera cambia immediatamente ed è per questo che la considero quella che rappresenta meglio il nostro percorso.

Visto il successo di Boys & Girls, se oggi aveste la possibilità di comporre una nuova sigla, per quale anime vi piacerebbe farlo?

Maya: Probabilmente sceglierei Sazae-san (ndr: Sazae-san è una delle serie animate più longeve della televisione giapponese, in onda da oltre sessant’anni e incentrata sulla vita quotidiana di una normale famiglia).

Nei vostri testi emergono spesso argomenti anche oscuri o malinconici, mentre l’immagine della band è colorata, positiva e piena di energia. Questo contrasto è una scelta precisa?

Maya: Sì. Credo che per comunicare davvero un messaggio servano entrambe le cose. Se mostrassimo soltanto il lato positivo, il messaggio rischierebbe di non arrivare fino in fondo.

Per me è un equilibrio simile allo yin e allo yang: esistono luce e ombra, e una ha bisogno dell’altra. Anche nelle nostre canzoni convivono questi due aspetti. È proprio questo equilibrio che permette alle persone di immedesimarsi e di ricevere davvero ciò che vogliamo trasmettere.

Molti fan ricordano ancora con affetto il progetto Alter Ego. Avete mai pensato di riprenderlo?

Maya: Sappiamo che è un progetto molto amato dai fan, ma al momento non abbiamo intenzione di riprenderlo. Al momento non è nei nostri programmi.

Ci sono canzoni che vivono nel cuore dei fan da tantissimo tempo. Sentite che, a un certo punto, smettano di appartenervi e assumano un significato diverso grazie a chi le ascolta?

Maya: È una domanda difficile.

Quando componiamo una canzone, naturalmente le attribuiamo un significato, ma una volta pubblicata ogni persona la vive in modo diverso. Credo che la cosa più importante non sia il significato che noi le abbiamo dato, ma quello che rappresenta per chi la ascolta. Se una canzone diventa importante nella vita di un fan, allora va benissimo così. È questo che conta davvero.

Aiji: Sì, è proprio così. Per noi la cosa più importante è che i fan amino le nostre canzoni e che stiano bene ascoltandole. In un certo senso, siamo anche noi grandi fan dei nostri fan. È il rapporto che abbiamo costruito con loro ad avere il valore più grande.

Negli ultimi 20 anni la musica giapponese è cambiata molto. Questa evoluzione ha influenzato anche il vostro modo di lavorare o di comporre?

Maya: Penso che il panorama musicale sia cambiato, questo sì. Forse oggi molte persone percepiscono la nostra musica come più luminosa o più pop rispetto al passato. Sinceramente, noi non abbiamo mai cambiato il nostro modo di fare musica. Fin dall’inizio abbiamo sempre cercato di realizzare esattamente quello che volevamo fare.
Il mondo della musica evolve continuamente ed è naturale che succeda. Cambiano i generi, cambiano le tendenze, ma noi abbiamo semplicemente continuato a seguire la nostra strada senza lasciarci influenzare troppo da quello che succedeva intorno.

Molti amano il Visual Kei, ma hanno paura di esprimersi liberamente o di essere giudicati. Che consiglio dareste a chi vorrebbe iniziare questo percorso?

Maya: Prima di tutto bisogna capire da dove nasce quella paura.

Se è il timore del giudizio degli altri, il consiglio è di non cercare di cambiare tutto in una volta. Si può iniziare poco per volta, può essere il colore delle unghie, poi gli anelli… Non serve trasformarsi completamente da un giorno all’altro. Basta fare un piccolo passo alla volta, trovare gradualmente il proprio stile e acquistare fiducia. La cosa più importante è non lasciarsi condizionare dallo sguardo degli altri. Esprimere se stessi richiede tempo, ma bisogna avere il coraggio di iniziare.

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La nostra presentazione della band LM.C

Il reportage del B7klan J-Rock Fest

Il profilo instagram ufficiale degli LM.C

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I francesi hanno un look che ricorda vagamente i cavalieri medievali: il cantante indossa un soprabito bianco e croce nera (tipo tabardo medievale). La band spinge con il suo metal per accendere il pubblico nella mezzora assegnata. Un sound potente e diretto, che punta più sull’impatto che sulla complessità, ideale per rompere subito il ghiaccio. Il gruppo francofono è in linea con quanto ci si aspetti da un festival visual kei ed il pubblico risponde al meglio.

Quando i francesi terminano, lasciano lo spazio ai -Musyozoku-, la band scelta dai fan tramite contest.

Musyozoku

Il cantante scatenato sale sul palco vestito di nero, con uno zainetto rigido rosso ed inizia a cantare e rotolarsi sul palco, canta con il microfono in bocca, alterna voce da bambina a growl e a un certo punto si lancia giù dal palco per salire sulle transenne, mentre al suo fianco il chitarrista Rito resta composto ed il bassista dai capelli verdi ed il viso bianco ricorda vagamente il Joker di Batman. Mezzora di show, dove l’impressione è quella di assistere più a una performance teatrale che a un semplice concerto: musica, recitazione e follia scenica diventano un’unica cosa. Anche la loro musica riflette questa identità: un rock moderno ma contaminato da influenze metal e melodie disturbanti, con repentini cambi di atmosfera che rendono ogni brano imprevedibile a partire da una delle prime canzoni in scaletta “Gouon to Needle”.

Dopo lo show il pubblico, entusiasta, continuerà a ripetere all’infinito: Soiya Soiya Soiya Soiya!!!

KIZU

Dopo una breve pausa salgono sul palco i Kizu, band dalla storia bizzarra: attivi dal 2017, hanno costruito la propria discografia soprattutto attraverso singoli, fino alla pubblicazione nel 2021 di “Kataki”, un album best of che raccoglie brani già pubblicati. Solo il 5 agosto 2026 è arrivato quello che la band stessa definisce il suo “1st Last Album”, “Gokuraku yori Gokujou no Ame”, uscito pochi giorni dopo il festival. Eppure hanno già annunciato un periodo di pausa nel 2027 fino a data da destinarsi.

Il look dei membri è diverso tra i quattro: se il cantante si presenta in completo di broccato oro e blu, il chitarrista è un cowboy di velluto rosso vestito, mentre il bassista indossa pantaloni bianchi ed un crop top che mette bene in evidenza gli addominali scolpiti mentre ammicca al pubblico femminile.

Nonostante LiME salti giù dal palco e vada a cantare sulle transenne, il più scatenato è sicuramente il batterista Kyonosuke, vestito con una tuta verde dalle spalle a punta, pantaloni con il taglio alle ginocchia ed una sopragonna di ruche nere attaccata al retro.

La band sceglie una scaletta varia, per mostrare tutte le sfaccettature musicali del gruppo, non solo il lato più heavy. Partono infatti con Jigoku, e poco dopo LiME impugna la chitarra acustica per regalare una bellissima versione di Heisei.

La qualità della band è davvero alta, la scrittura e la voce del cantante LiME sono di impatto. Il loro è un costante equilibrio tra aggressività e melodie, che rende evidente perché siano considerati una delle realtà più interessanti della nuova scena visual kei.

Lo dimostrano gli altri brani che il gruppo inserisce in scaletta come Oni e Strawberry Blue. Quando l’ultima canzone R/E/D/ termina è il batterista a trattenersi di più, lanciando bacchette al pubblico e correndo da una parte all’altra del palco, con un entusiasmo quasi infantile che trascina tutti.

LM.C

Tocca agli LM.C, ma prima della loro performance viene ricordato al pubblico che durante la loro esibizione è vietato fare foto e video.

Maya ed Aiji arrivano sul palco indossando due tute nere semilucide, dalle maniche ampie, piene di lacci bianchi in cui si leggono nome della band e del blog. Lo storico duo, che manca dall’Europa dal 2014, è accompagnato sul palco da due ottimi turnisti, e apre con Let Me’Crazy.

L’attenzione è subito catturata da Maya, un artista con un’aura autentica, capace di attirare lo sguardo anche quando è immobile e silente. Il vocalist alterna due microfoni per gli effetti sonori, manovra il synth, suona il tamburello, balla e tutto questo nonostante qualche problema tecnico alla strumentazione che non lo ferma minimamente, anzi, ne mette in luce la professionalità, che procede senza far notare ai più gli intoppi (noi della stampa vediamo le piccole smorfie solo perché siamo sotto il palco davanti a lui).

Nei pezzi elettro pop punk e funky rock, sostenuti dalla chitarra di Aiji, il duo è scatenato e travolgente tra i laser verdi. Sul palco l’energia è continua, contagiosa, e il pubblico salta e canta praticamente ogni brano, scatenandosi soprattutto quando parte “88“. Per quanto il focus sia su Maya, Aiji non è solo una spalla, ma un complice perfetto in questo duo ben amalgamato.

Dopo “The Buddha”, gli LM.C chiudono fra il tripudio generale con una delle loro canzoni più rappresentative e una delle preferite dai fan, “Boys&Girls”.

Maya beve e schizza acqua sul palco, raccoglie lo striscione preparato dai fan e lo agita con gioia, dimostrando la sua soddisfazione per la risposta entusiasta del pubblico alla performance. A nostro parere una prova condotta magistralmente nonostante qualche piccola difficoltà tecnica.

MUCC

A seguire sale sul palco una delle band più attese e simbolo del visual kei: fondati nel 1997 i MUCC si presentano con la formazione originale. Nel corso degli anni il trio è passato dal look teatrale ad un’estetica molto più sobria, anche se Tatsuro ha un forte trucco nero e indossa dei mezzi guanti di pelle a coprire principalmente le dita.

Esordiscono con “Suiren” e “Psycho”, passano da questi brani nu metal a brani più soft come “AO” e “Never Evergreen”. Ma vista la varietà sviluppata nel corso dei 30 anni di carriera, non mancano pezzi blues come “Lip Stick”, con tanto di armonica a bocca. Dopo la fase centrale più soft, decidono di spingere nuovamente tornando a pezzi più hard rock come “Nirvana” ed “Heide”. Come nella loro tradizione, mischiano metal, rock alternativo, punk, elettronica e momenti molto melodici, senza mai perdere di intensità.

Tatsuro è il fulcro dello show: si muove continuamente, alternando momenti più contenuti ad esplosioni di energia e coinvolgendo il pubblico con grande naturalezza. Miya e Yukke gli fanno da contrappunto con movenze altrettanto energiche e interagiscono più volte tra loro, mostrando la dinamica di un gruppo affiatato da anni. La lunga esperienza della band si percepisce nella sicurezza con cui affrontano una scaletta così varia, passando da atmosfere più cupe e aggressive a momenti quasi intimi senza perdere coesione.

Dopo quasi un’ora di performance, mantenendo alta anche l’intensità emotiva, scelgono di chiudere con “Saishuu Ressha”, per un finale emotivo e nostalgico con cui si congedano dal pubblico in visibilio.

VERSAILLES

É l’ora degli headliner: i Versailles salgono sul palco alle 21.40 con i loro abiti rococò, in pieno stile corte francese.

Il pubblico è in delirio all’entrata in scena del cantante Kamijo, con la marsina bianca ed i capelli ondulati che fanno letteralmente impazzire le fan vestite in abiti ampi e merletti. È un tripudio di fiocchi e rose.

Entrano sulle note di “Prelude” e passano subito ad “Aristocrat’s Symphony”. Quando inizia “Masquerade” il pubblico esplode e diventa quasi assordante. Sul piano musicale la band alterna cavalcate power metal a melodie neoclassiche, mantenendo sempre quell’eleganza aristocratica che è il marchio di fabbrica del gruppo.

Kamijo beve acqua dai calici di cristallo, anche in questo è molto scenografico ed in tema con l’estetica aristocratica: nulla è lasciato al caso.

Spesso si avvicina al chitarrista Hizaki, con il suo ampio abito rosso e la chitarra rossa con le rose dorate, mentre dall’altra parte Teru indossa stivaloni alti, pantaloncino corto e una lunga e ricca marsina blu elettrico, con mantello bianco. Masashi al basso ed il batterista turnista Hiroki sono i meno appariscenti.

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Teru, Kamijo e Hiroki nel backstage del B7klan J-Rock Fest

Kamijo tra un sorso e l’altro ricorda che tra noi ci sono dei vampiri ed intona “Vampire” tra l’estasi generale, scivolando poi verso The Revenant Choir con cui chiudono la prima serata del festival.

Li attende poi il meet&greet con i fan.

La prima giornata del B7klan J-rock Fest va in archivio con un successo e la trepidante attesa dei presenti per il giorno successivo. Quasi tutti i presenti hanno infatti scelto l’abbonamento per l’intera due giorni, decisi a non perdere nemmeno uno degli artisti in cartellone.

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Le nostre impressioni generali sul B7klan J-Rock Fest

Il profilo instagram dei -Musyuzoku-

Il profilo instagram degli LM.C

La pagina instagram dei KIZU

Il profilo instagram degli MUCC

La nostra presentazione dei Versailles

L'articolo La prima giornata del B7klan J-Rock Fest proviene da K-ble Jungle.

Senza nulla togliere alle due band europee che ben si sono comportate bene, mostrando il meglio di sé nella mezzora messa a disposizione, il pubblico era chiaramente presente per la line up giapponese, protagonista del festival. Riunire un cast di questo livello è raro persino in Giappone, motivo per cui fan provenienti da tutta Europa – e non solo – hanno raggiunto Parigi per assistere all’evento.

IL PROGRAMMA

Sabato 11: Souffre (Fra), Musyuzoko, Kizu, LM.C, MUCC, Versailles
Domenica 12: Imperial Age (Rus/Ing), An Cafè, Azavana, Jiluka, D’EspairsRay, Moi Dix Mois

Una line-up che attraversa oltre trent’anni di storia del visual kei, con le nuove generazioni di artisti, già capaci di richiamare fan in attesa fin dalle prime ore del mattino. Il festival prevedeva infatti anche la possibilità per alcuni fan di partecipare ai meet&greet con le band, in generale tenuti nell’arco della mattina. Questo perché tra l’orario di pranzo e l’inizio degli opener si svolgevano i sound check e le conferenze stampa.

Abbiamo avuto la possibilità di partecipare alle conferenze stampa tenute da alcune delle band, eventi di cui vi parleremo in un secondo momento. Prima di raccontarvi le esibizioni, nei prossimi articoli, vogliamo soffermarci sull’atmosfera che si respirava all’interno del festival e su ciò che rende il visual kei un movimento così particolare. Perché senza comprenderne la filosofia sarebbe difficile cogliere fino in fondo quello che abbiamo visto a Parigi.

il MONDO Visual kei

Il visual kei è uno dei movimenti più iconici e riconoscibili della musica giapponese. Nato negli anni ’80 e consacratosi nel decennio successivo grazie a band come X Japan, Buck-Tick e Luna Sea, non identifica un genere musicale, bensì un’espressione artistica in cui musica, immagine e performance si fondono indissolubilmente e diventano parti inseparabili dello stesso linguaggio.

Il termine significa letteralmente “stile visuale” (visual style) e nasce proprio dall’idea che l’impatto scenico abbia la stessa importanza della musica. Nel corso dei decenni ha attraversato generazioni e trasformazioni, reinventandosi continuamente senza perdere la propria identità. Al suo interno convivono numerose correnti, ciascuna caratterizzata da un’identità visiva ben definita, che riflette il concept della band e il suo immaginario artistico.

L’immagine non è quindi un semplice “costume di scena”, ma parte integrante della narrazione artistica della band. Per questo può evolversi da un album all’altro, seguendo il concept del disco o della tournée. Proprio perché l’immagine è parte integrante della performance, i look sono spesso spettacolari: costumi elaborati, make-up marcato, acconciature scenografiche e un mix di influenze che spaziano dal gotico al punk, dal cyber al rococò, fino ai kimono reinterpretati in chiave moderna.

È anche per questo che tra i le migliaia di partecipanti al festival era impossibile trovare due outfit uguali: ogni fan ha interpretato il proprio modo di vivere il visual kei, ispirandosi ai propri artisti preferiti. Camminare tra il pubblico era quasi come passeggiare in una sfilata a cielo aperto, dove ogni outfit raccontava l’appartenenza a uno specifico immaginario artistico.

IL SENSO DI APPARTENENZA

Un’appartenenza che spesso è incompresa ai più, a chi non conosce queste realtà e a tutti quelli a cui questi fan possono sembrare delle persone vestite e truccate in un modo spesso considerato eccentrico ed eccessivo. Le persone che adottano questi look sono guardate male e spesso tenute alla larga. Molti raccontano di avere trovato proprio nel visual kei un luogo in cui sentirsi finalmente liberi di esprimere la propria identità.

La sensazione era che al B7Klan J-Rock Fest persone spesso considerate “strane” avessero finalmente trovato un luogo in cui sentirsi comprese. Dietro il trucco elaborato e gli abiti scenografici si nascondevano sorrisi enormi, quelli di chi si ritrovava finalmente tra persone che condividevano la stessa sensibilità, indipendentemente dalla band preferita o dallo stile adottato. È stato per tutti un momento di vera libertà condivisa, la libertà di essere sé stessi senza venire giudicati nemmeno da un solo sguardo.

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MOLTI STILI, UN’UNICA FILOSOFIA

Tra gli stili più celebri c’è il Gothic Aristocrat, reso iconico da Mana, prima cofondatore dei Malice Mizer e oggi leader dei Moi dix Mois. Figura fondamentale del Visual Kei, è anche il fondatore del marchio Moi-même-Moitié, punto di riferimento mondiale per la moda Gothic Lolita.Completamente diverso è l’immaginario dei Versailles, che fondono rococò, abiti ispirati alla nobiltà francese e atmosfere vampiresche in uno stile immediatamente riconoscibile.

All’estremo opposto troviamo l’Oshare Kei di band come An Cafe, caratterizzato da colori vivaci, un’atmosfera giocosa e influenze che richiamano la moda di Harajuku e l’estetica pop giapponese dei primi anni 2000.

È questa la forza del Visual Kei: riuscire a riunire sotto un’unica identità artistica mondi apparentemente lontanissimi tra loro.

Ed è proprio questa incredibile varietà che ha reso unico il B7Klan J-Rock Fest: nell’arco di due giorni è stato possibile vedere sullo stesso palco band agli antipodi per estetica e sonorità, ma accomunate dalla stessa filosofia artistica. Si andava dai look aristocratici dei Versailles all’eleganza gotica dei Moi dix Mois, passando per l’energia pop degli An Cafe. Ma c’erano anche l’intensità dei Kizu, l’impatto moderno dei Jiluka e la sorpresa Azavana, ogni esibizione rappresentava una diversa sfaccettatura del visual kei. L’opinione di addetti ai lavori e fan è unanime: la qualità delle band che si sono esibite e del festival in sé dal punto di vista musicale è stata straordinaria. Tutti hanno avuto la sensazione di avere assistito ad un evento destinato a lasciare il segno nella storia del visual kei europeo, con una line-up di livello forse irripetibile.

Link utili

La nostra introduzione al B7klan Fest
Profilo Instagram della B7klan
Sito Ufficiale di Envol Production

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Breve trama di Japan Sinks 2020

L’anime è ambientato a Tokyo nel 2020, anno in cui le olimpiadi si sarebbero dovute tenere proprio lì (anche se come sapete alla fine, nella realtà, a causa del coronavirus sono state posticipate), e si concentra su una famiglia in particolare, la famiglia Mutō. È composta da padre, madre, e due figli, una ragazza e un bambino. Il padre è giapponese, mentre la madre è filippina, con i figli che quindi sono metà giapponesi e metà filippini. La storia ha come fulcro un devastante terremoto che sconvolge non solo la famiglia Mutō, ma anche le vite di tutti gli altri abitanti del Giappone. Vengono raccontate le vicissitudini che questa famiglia ha dovuto affrontare per sopravvivere ad un evento così catastrofico, molto spesso con esiti negativi. I protagonisti infatti si confrontano con difficoltà emotive, morali e anche fisiche, legate alla sopravvivenza in un mondo che cambia rapidamente. Infatti, l’ostacolo più grande che dovranno affrontare è capire come possono mettersi in salvo da un Giappone che sta velocemente e inesorabilmente sprofondando sotto il livello del mare.

Senza entrare troppo nei dettagli di Japan Sinks 2020 (per evitare spiacevoli spoiler), si può dire che la serie esplora temi di speranza, disperazione e resilienza, mostra le risposte della società e del governo di fronte a una calamità di proporzioni mai viste, si concentra sul coraggio e sulla lotta per la vita anche nelle situazioni più estreme.

Uno spunto su come i giapponesi convivono con i terremoti

La serie non tratta solo del terremoto, anche se è l’argomento principale, ma anche di molti altri temi, purtroppo non accuratamente approfonditi a causa del fatto che la serie è decisamente corta. Sebbene non molto approfonditi, questi temi aiutano meglio a capire come in una situazione di grave disastro non sempre la società riesce a funzionare secondo le regole, portando a comportamenti decisamente violenti e addirittura in alcuni casi all’anarchia.

Per poter sopravvivere in una situazione catastrofica le persone sono capaci di tutto: capaci di rubare, di ferire altre persone, in poche parole di seguire l’espressione “meglio la mia vita che la tua”. In situazioni come quelle descritte dall’anime, molto spesso i governi non sono capaci di dare le giuste risposte, e non sono nemmeno capaci di aiutare la popolazione come dovrebbero, o almeno non tutta.
Ciononostante, le persone sono anche capaci di resistere alle avversità, covando dentro di sé speranza e resilienza.

Il romanzo originale e le differenze

La base della trama di “Japan Sinks: 2020” è in realtà molto ispirata al romanzo omonimo uscito nel 1973, scritto da Sakyo Komatsu, diventato un best-seller all’epoca: una serie di forti terremoti devasterà il Giappone e lo farà sprofondare. Sebbene la base sia la stessa, in realtà esistono differenze sostanziali tra le due opere. Come abbiamo detto, nella serie anime del 2020 la storia segue le vicissitudini della famiglia Mutō, e in generale esplora nei limiti delle sue capacità il come, non solo la famiglia Mutō, ma anche tutte le altre persone si relazionano tra di loro durante un evento disastroso. Si concentra anche sul come le persone reagiscono a questi fenomeni e quali strategie adottano per sopravvivere.

Nell’opera originale invece, il focus era stato posto sulla scoperta di un crepaccio che avrebbe causato un grande terremoto, sullo scienziato che lo ha scoperto, e sul come il Giappone avrebbe proceduto all’evacuazione dei suoi cittadini. Quindi come potete vedere, il focus è stato posto su due aspetti diversi.

Se mai vi stesse domandando però quale dei due vale la pena guardare/leggere, la risposta migliore è entrambi! Per quanto l’anime non sia riuscito ad esplorare in profondità tutti i temi che ha presentato, e per quanto vengano rappresentate a volte situazioni illogiche, è comunque consigliabile una visione: entrerete in un vortice di sensazioni da cui riuscirete ad uscire solamente una volta terminata la serie!

Una volta finita la visione dell’anime, che riprende il romanzo anche in una chiave più moderna, si consiglia appunto la lettura del romanzo, sicuramente anch’esso pieno di emozioni, ma riuscito decisamente meglio, in cui tutti gli avvenimenti sono spiegati e nulla è lasciato al caso.

Come convivono i giapponesi con i terremoti?

Partendo dalla considerazione che la maggior parte delle situazioni descritte nel romanzo e nell’anime sono decisamente irrealistiche, esse possono essere il punto di partenza per una riflessione su come i giapponesi convivono con i terremoti, e su come le esperienze passate hanno fatto in modo che disastri precedenti non si verifichino più.

Come avete avuto modo di capire, il Giappone è veramente una delle zone della Terra con il più alto numero di terremoti: hanno la capacità di distruggere edifici, interrompere le forniture di acqua, gas ed elettricità, e più in generale di sconvolgere la vita delle persone che li vivono.

Purtroppo i terremoti non si possono prevedere, ma si possono prendere delle misure per prevenire i danni da loro causati.
Già dal 1923, anno del disastroso terremoto del Kanto, il Governo ha emesso alcuni regolamenti sulla costruzione degli edifici, ma è stato nel 1950 con la Building Standard Law che si sono cominciati a fare i primi grandi passi. La legge prevedeva che gli edifici fossero costruiti in maniera tale da poter resistere un terremoto fino al settimo grado di magnitudo. Con l’emendamento del 1981 (New Earthquake Resistant Building Standards Amendment) si sono invece aggiunti ulteriori dettagli alla legge del 1950: gli edifici dovevano sì resistere un terremoto di magnitudo 7 in modo da poter essere ancora utilizzati senza problemi, mentre per terremoti più forti possono anche subire danni considerevoli ma l’importante è che non devono crollare.

In questa maniera il focus viene posto non tanto sull’integrità dell’edificio, ma sull’incolumità delle persone che si trovano al suo interno: in altre parole, non è importante che l’edificio subisca danni oppure no, ma che in qualsiasi caso non possa crollare, così che le persone al suo interno non rischino la vita.

La progettazione degli edifici in Giappone

A seconda del tipo di edificio si usano strategie strutturali diverse, ma uno dei metodi in generale più efficaci è quello di rafforzare la base con travi, pilastri e muri più spessi per resistere meglio alle scosse. Un’altra tecnica è quella di separare l’edificio dal movimento del terreno: installando dei cuscinetti realizzati in materiale assorbente come la gomma alla base di un edificio, l’impatto della scossa sulla struttura può essere smorzato considerevolmente. Per quanto riguarda edifici tradizionali, vengono adeguati il più possibile per renderli più resistenti ai terremoti, considerato che essi sono generalmente molto vulnerabili alle onde sismiche.

Prepararsi alle emergenze

Nonostante tutti questi accorgimenti, non c’è mai la sicurezza al 100% che le strutture siano infallibili. Molte volte il problema non è nemmeno causato dal terremoto in sé, ma dalle conseguenze che può provocare, come per esempio gli incendi o gli tsunami. Per questo è necessario che le persone siano preparate ad ogni scenario possibile. In Giappone, infatti, sono comuni piani di evacuazione e anche esercitazioni.

Tutti i luoghi pubblici sono dotati di kit di emergenza e viene consigliato ai cittadini di averne di pronti anche nelle proprie case. In più esiste un sofisticato sistema di allarme precoce dei terremoti che può aiutare le persone a trovare un posto sicuro in cui proteggersi in previsione di una scossa: non si tratta di prevedere il terremoto in sé, ma di avvisare la popolazione che un terremoto è appena avvenuto, e quindi dare ai cittadini quei secondi preziosi per prendere le dovute precauzioni.

Infine, ai giapponesi viene insegnato fin da bambini come comportarsi in caso di terremoto: azioni semplici come ripararsi sotto un tavolo, evacuare in sicurezza e raggiungere il punto di raccolta più vicino sembrano azioni banali, ma non per un bambino, quindi è indispensabile che vengano insegnati i comportamenti corretti affinché in futuro da grande sappia come comportarsi.
Nonostante tutte le precauzioni esistenti in Giappone, e nonostante tutti sappiano come bisognerebbe comportarsi in caso di terremoto, molto spesso capita che una persona di fronte ad uno stress psicologico forte si ritrovi confusa, e non capisca più cosa si dovrebbe fare: questo potrebbe essere un serio problema perché potrebbe eventualmente mettere a rischio la sua vita. La sfera psicologica resta dunque un aspetto su cui c’è ancora bisogno di lavorare.

Fonti su Japan Sinks 2020 e sui fenomeni sismici in Giappone

『日本沈没2020』は何を描いたのか？　賛否呼んだ同作の狙いを、原作との比較から考察, in “Real Sound”, di Endo T.

National Geographic: Japan spent decades making itself earthquake resilient. Here’s how. di Hagerty C.

L’allerta precoce dei terremoti: una tecnologia tutta giapponese di Luca Malusa

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